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对话于海勃——《在边界上行走的舞美人》

于海勃 场景设计师

美国加州大学河滨分校戏剧电影系终身教授,现任中国教育部与国家外专局111计划(中央戏剧学院)特聘教授,美国演艺工会注册设计师,英国舞台美术协会会员。

 

于海勃曾在舞台、电影、电视、景观、博物馆、实景演出与大型活动等多领域内创作作品二百多部,作品曾连续三次(每四年一次)被选入全英场景设计全集;2002获美国USITT最佳设计,2013年入选《世界百名舞台设计师》等。著有《西方舞台美术基础》和《即兴与无剧本创作》(合著,英文版,英国Crowood Press)。

 

 

从九十年代开始,于海勃老师在教学的同时,也一直活跃在欧美的专业一线,从事创作活动。他认为舞美设计师应该是一个“杂家”,成为一个舞台美术家应做到三点:

 

第一,应有一个戏剧艺术家的头脑,眼界开阔,并有足够的文化积累。

 

第二,要有艺术家的敏锐视觉,对色彩形象和空间的直觉要强于普通人。

 

第三,同时应该是一个匠人,在把握一个具体的视觉符号上他要有心灵手巧的处理能力,要精准而熟稔地制作出艺术形象。

 

而在此次讲座中,于海勃老师主要从跨界与比较、东方与西方、大美术与小舞美三个方面与大家进行了分享,最后还为大家分享了一些自己的舞美设计作品。他的讲座视野开阔、诙谐生动,相信也能给大家带来诸多启发,接下来就让小编带大家来看看吧。

 

 

 

跨界与比较

以自身的跨界经历讲起“比较”的话题——要善于在比较中去有所感悟,发现不同。

 

 

于海勃老师就地取材,以东苑戏楼所在菖蒲河公园为例:墙外就是著名的征婚角——与墙内此刻正在进行的艺术沙龙完全是两级的平行世界,但历来中外优秀作品都是以最熟悉的生活,最平实质朴的语言击中人心的,所以艺术家的朋友圈应该广一点,这样才更能激发对生活的感悟。

 

贝聿铭作品 《香山饭店》

 

陈冰作品 《凤凰》

 

他还以艺术家徐冰在2015年威尼斯双年展展示的由建筑废弃物组成的《凤凰》,盐田千春以无数生锈钥匙打造的《记忆》,以及贝聿铭设计的中国风香山饭店等几个作品为例,阐述了“传统是骨子里的文化基因使然,是无法丢弃的”。

 

 

 

东方与西方

将英国、美国、意大利等国家的设计理念进行交叉比较,探讨差异中的差异。

 

于海勃老师以戏曲《空城计》和戈登·克雷设计的《麦克白》聊回到舞美比较的起点:“百年前中外舞台呈现的差距,其实并不是特别大,我们不要走马观花,要真正了解当代人,要通过多角度的比较,去感受东西方价值观、生活习惯、思维观念的差异。”

 

于海勃老师列举了上海世博会中国馆与英国馆的场馆设计;英国加入一战100周年的“关灯”秀对光的反向运用;伯明翰广场上艺术家Nele Azevedo慢慢融化的5000个冰雕人;伦敦塔象征着一战阵亡888246名英军士兵的888246朵陶瓷罂粟花等案例,探讨了中西方提炼设计符号的思维差异。

 

 

大美术与小舞美

将大量享誉全球的舞美家设计作品与纯艺术作品做比对,阐述“正是舞美设计师与艺术界的关系,决定了舞美会沿着艺术思潮的方向发展“。

 

一直以来,对舞台美术风格的形成与演变主要来自两个方面的影响:1.戏剧观念的更新;2.新造型形态的出现。而于海勃老师认为,“舞台不是仅有一个样式”。当今国内绝大多数的舞台都是镜框舞台,但是在国外,舞台形式和种类(尤其小剧场)非常多,所以对设计师来讲,首先要考虑的就是:剧场是一个观演空间,这是至关重要的,它很可能会直接影响设计师最后的设计结果。

 

旅游演出概念设计 《北京猿人·大洪水》

 

 

舞美设计作品

 

最后,于海勃老师将影响过他的舞美设计大师作品与自己的创作经历交织在一起,生动有趣地展示了自己的舞美创作理念。其中有自己被“封杀”的舞美作品,有别人“被宠出来”的“无法无天”的舞美作品,也有令自己完全忘记舞美的最高级境界的舞美作品。

 

音乐舞剧 《卡萨布拉卡》

 

音乐剧 《尿城》

 

设计图 《草莓山古堡》

 

设计图 《我们共同的朋友》

 

 

此次讲座于海勃老师为大家带来了关于舞台设计理念的独特视角和突破传统的舞台美术风格,不知道大家有没有产生什么思考呢?欢迎您留言和我们进行探讨。

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对话于海勃——《在边界上行走的舞美人》

于海勃 场景设计师

美国加州大学河滨分校戏剧电影系终身教授,现任中国教育部与国家外专局111计划(中央戏剧学院)特聘教授,美国演艺工会注册设计师,英国舞台美术协会会员。

 

于海勃曾在舞台、电影、电视、景观、博物馆、实景演出与大型活动等多领域内创作作品二百多部,作品曾连续三次(每四年一次)被选入全英场景设计全集;2002获美国USITT最佳设计,2013年入选《世界百名舞台设计师》等。著有《西方舞台美术基础》和《即兴与无剧本创作》(合著,英文版,英国Crowood Press)。

 

 

从九十年代开始,于海勃老师在教学的同时,也一直活跃在欧美的专业一线,从事创作活动。他认为舞美设计师应该是一个“杂家”,成为一个舞台美术家应做到三点:

 

第一,应有一个戏剧艺术家的头脑,眼界开阔,并有足够的文化积累。

 

第二,要有艺术家的敏锐视觉,对色彩形象和空间的直觉要强于普通人。

 

第三,同时应该是一个匠人,在把握一个具体的视觉符号上他要有心灵手巧的处理能力,要精准而熟稔地制作出艺术形象。

 

而在此次讲座中,于海勃老师主要从跨界与比较、东方与西方、大美术与小舞美三个方面与大家进行了分享,最后还为大家分享了一些自己的舞美设计作品。他的讲座视野开阔、诙谐生动,相信也能给大家带来诸多启发,接下来就让小编带大家来看看吧。

 

 

 

跨界与比较

以自身的跨界经历讲起“比较”的话题——要善于在比较中去有所感悟,发现不同。

 

 

于海勃老师就地取材,以东苑戏楼所在菖蒲河公园为例:墙外就是著名的征婚角——与墙内此刻正在进行的艺术沙龙完全是两级的平行世界,但历来中外优秀作品都是以最熟悉的生活,最平实质朴的语言击中人心的,所以艺术家的朋友圈应该广一点,这样才更能激发对生活的感悟。

 

贝聿铭作品 《香山饭店》

 

陈冰作品 《凤凰》

 

他还以艺术家徐冰在2015年威尼斯双年展展示的由建筑废弃物组成的《凤凰》,盐田千春以无数生锈钥匙打造的《记忆》,以及贝聿铭设计的中国风香山饭店等几个作品为例,阐述了“传统是骨子里的文化基因使然,是无法丢弃的”。

 

 

 

东方与西方

将英国、美国、意大利等国家的设计理念进行交叉比较,探讨差异中的差异。

 

于海勃老师以戏曲《空城计》和戈登·克雷设计的《麦克白》聊回到舞美比较的起点:“百年前中外舞台呈现的差距,其实并不是特别大,我们不要走马观花,要真正了解当代人,要通过多角度的比较,去感受东西方价值观、生活习惯、思维观念的差异。”

 

于海勃老师列举了上海世博会中国馆与英国馆的场馆设计;英国加入一战100周年的“关灯”秀对光的反向运用;伯明翰广场上艺术家Nele Azevedo慢慢融化的5000个冰雕人;伦敦塔象征着一战阵亡888246名英军士兵的888246朵陶瓷罂粟花等案例,探讨了中西方提炼设计符号的思维差异。

 

 

大美术与小舞美

将大量享誉全球的舞美家设计作品与纯艺术作品做比对,阐述“正是舞美设计师与艺术界的关系,决定了舞美会沿着艺术思潮的方向发展“。

 

一直以来,对舞台美术风格的形成与演变主要来自两个方面的影响:1.戏剧观念的更新;2.新造型形态的出现。而于海勃老师认为,“舞台不是仅有一个样式”。当今国内绝大多数的舞台都是镜框舞台,但是在国外,舞台形式和种类(尤其小剧场)非常多,所以对设计师来讲,首先要考虑的就是:剧场是一个观演空间,这是至关重要的,它很可能会直接影响设计师最后的设计结果。

 

旅游演出概念设计 《北京猿人·大洪水》

 

 

舞美设计作品

 

最后,于海勃老师将影响过他的舞美设计大师作品与自己的创作经历交织在一起,生动有趣地展示了自己的舞美创作理念。其中有自己被“封杀”的舞美作品,有别人“被宠出来”的“无法无天”的舞美作品,也有令自己完全忘记舞美的最高级境界的舞美作品。

 

音乐舞剧 《卡萨布拉卡》

 

音乐剧 《尿城》

 

设计图 《草莓山古堡》

 

设计图 《我们共同的朋友》

 

 

此次讲座于海勃老师为大家带来了关于舞台设计理念的独特视角和突破传统的舞台美术风格,不知道大家有没有产生什么思考呢?欢迎您留言和我们进行探讨。

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